'Kiaf SEOUL 2024' 참가 갤러리 발표

We proudly present the exhibitor lineup for Kiaf SEOUL 2024, featuring 207 galleries from 21 countries and territories.  Now in its 23rd year, Kiaf SEOUL continues to set the stage for Korean art excellence alongside global talents.

 

Kiaf SEOUL 2024의 참가 갤러리 라인업이 발표됐다.

4개 대륙, 21개국의 주요 갤러리 207곳이 참여하는 가운데  23회차를 맞이한

Kiaf SEOUL은 한국 미술의 정수와 세계적인 아티스트들을 한 자리에 모아

현대미술의 다양성과 수준을 보여줄 예정이다.
 

https://kiaf.org/exhibitors-index

1.-Yun-Hyong-keun-Burnt-Umber-and-Ultramarine-1981 윤형근: 윤/파리/윤2024. 5. 2 - 6. 29 | [갤러리] PKM 갤러리

PKM 갤러리는 5월 2일부터 6월 29일까지 한국 현대미술의 거장 윤형근 1928-2007의 개인전 윤/파리/윤을 개최하게 되어 기쁘게 생각합니다. 이번 전시는 2021년 윤형근의 추억 이후 3년 만에 국내에서 PKM 갤러리에서 열리는 전시이다. 1980년대 파리에서 제작된 한지 작품과 당시 리넨회화, 2002년 갤러리 장 브롤리에서 윤 작가의 개인전 출품 작품, 그 시기와 가까운 시기의 작품, 그리고 이전에 국내에서 선보였던 작품 등 총 27점으로 구성되어 있다. . 이번 전시는 파리 레지던시와 그 전후의 두 시기를 중심으로 윤 작가의 20년 미술 발전 과정을 새로운 시각으로 제시하고자 기획됐다.

 

갤러리미미 '이 사람은 누구인가' 설치 전경

70~80년대 곽남신의 초기 작품(그리고 그들의 사회적 맥락)에서 히스테리적 주체의 욕망과 소규모 혁명의 명확한 궤적을 발견한다. 그는 그림자를 연필로 섬세하게 그리는 작품인 Shadow Series로 경력을 시작했습니다. 곽 작가가 말했듯이 이 시리즈는 70년대 미술계를 지배했던 모더니즘 추상이나 한국의 단색(엄격히 비판적으로 말하면 모노톤 추상회화라고 부르는 것이 더 적절함)의 틀을 깨기 위한 의미 있는 노력이었다. 그의 그림자 연작이 단조로운 추상화의 요소를 담고 있는 것은 사실이나, 그림자가 구체적인 형상을 담고 있다는 사실은 '형상과 의미에 대한 갈망'이 강했음을 시사한다. 그러한 해석을 작가 자신의 말로 확인한다: “나의 가장 깊은 욕망은 반대적인 경향을 가지고 있었고, 그것이 왜 예술에서 의미나 감정이 배제되어야 하는지에 대한 의문을 갖게 했습니다.” 그러한 질문은 겉으로는 수동적이고 속으로는 냉혹해 보이는 미학적 히스테리적 주체의 증상이자 저항의 진술이다. 이 외에도 섀도우 시리즈는 후기 작품의 두 가지 화두인 '의미와 상상의 자유'와 '물질의 감각' 추구의 전조가 된다는 점에서 작가에게 특별한 의미를 지닌다. 

누구세요,  (Who is that-green), 90.9×72.7cm, 캔버스에 아크릴릭, 2024

 

풍경 속의 사람 - 봄에는 꽃이 핀다

2024. 5. 30 - 6. 18 | [갤러리] 보충갤러리

 

사람풍경-Dear, my spring, 2024, 순지에 중독, 162.2×130.3cm

Suppoment 갤러리에서는 5월 30일부터 비단에 행복을 그리는 작가 서기환의 개인전이 열린다.

 

사람풍경-Spring-day_162.2×130.3cm_비단에-채색_2024

<PERSONS IN LANDSCAPE – 봄에 꽃이 핀다> 시리즈는 만개한 봄과 인생의 황금기를 상징하는 우리말 '화란춘성'에서 영감을 받은 시리즈입니다. 서기환의 작품은 삶의 아름다움과 순수함을 깊이 있게 표현하고 있다. 이번 전시는 관객들이 일상의 흔적에서 아름다움을 발견하는 여정을 떠나도록 초대합니다.

사람풍경-괜찮아, 내가 거기 있을게 Ⅰ, 2023, 비단에 부패, 74.5x54cm

서기환의 작품은 우리가 매일 접하는 사소한 것 속에 숨겨진 아름다움을 탐구합니다. 그의 눈을 통해 보이는 아름다움은 당장 눈에 띄지 않을 수도 있지만, 주의 깊게 관찰하면 그 진정한 가치는 분명해진다. 작은 사물부터 자연, 찰나의 순간까지 그의 작품은 일상의 아름다움을 조명한다. 이번 전시는 일상의 미학을 깊이 경험할 수 있는 특별한 기회를 제공하며, 관람객들이 일상을 새롭게 바라보고, 그 안에 숨겨진 아름다움을 발견할 수 있도록 돕습니다. 이번 전시는 단순한 관람을 넘어 삶의 의미와 아름다움을 재발견하는 소중한 경험을 선사합니다.

 

모호한 시차

2024. 5. 30 - 6. 29 | [갤러리] 갤러리 조은

 

김병주 모호한 벽-대칭 B3939-S140_레이저 컷 스틸, 우레탄 도료._140x140x30cm_2023

갤러리 조은은 5월 30일부터 6월 29일까지 김병주(1979~), 김용관(1980~)의 2인전 <모호한 시차>를 개최합니다. 두 작가는 새로운 시공간을 표현합니다. 다층적인 시차가 독특하고 미니멀하며 기하학적인 언어와 공존합니다.

김병주, 모호한 벽-대칭 S140, 레이저 컷 스틸, 우레탄 페인트, 각 140x140x30cm, 2023

김병주는 격자 형태의 부조를 통해 새로운 차원의 공간을 표현한다. 얇고 단단하며 정밀하게 레이저로 절단된 강철 선이 수직 및 수평 그리드에서 교차하여 공간에 깊이를 더하는 원근감을 만들어냅니다. 원색의 기하학적 격자구조가 구축됨과 동시에 빈 공간이 생기고, 철구조물의 폭과 높이가 뚜렷이 보이지만 그에 상응하는 볼륨은 없다.

보는 각도에 따라 내부와 외부의 경계가 모호해지는 김병주의 격자구조 'Ambiguous Wall'은 내부와 외부의 경계를 동시에 생성하고 해체한다. 벽에 걸린 입체 구조물의 형태를 파악하기 위해 관객은 작품과의 거리를 끊임없이 변화시키며, 이로 인해 2차원과 3차원, 단일 및 여러 개의 시야각이 중첩되고 관객의 지각 경험과 현실이 막연하게 왜곡된다. 작품은 관람자의 움직임을 통해 매 순간 새롭게 인식되며, 구조물의 빈 공간은 관람자의 기억과 시간성이 중첩되어 채워지며, 작품은 더 이상 단일한 총체성을 지닌 형태가 아니라 끊임없이 재구성되고 변화된다. 시간의 다층적인 차이에 의해.

홍익대학교 조소과 및 동대학원을 졸업하고 영국 런던 UAL Chelsea College of Arts에서 순수미술 석사학위, 홍익대학교에서 조소과 박사학위를 취득한 작가는 현재 국내·외에서 활발한 활동을 이어가고 있다. 2021년과 2022년 아트마이애미에 참가하고 있는 국제미술계는 2022년 캐나다 몬트리올에서도 개인전을 가졌습니다. 국립현대미술관 미술은행 등 국내 주요 미술기관에서 대형 부조를 수집 전시하고 있습니다. , 서울시립미술관, 포항시립미술관, 인천국제공항 제2여객터미널 등이 있다. 이번 전시에는 그의 대표작 'Ambiguous Wall'을 비롯해 미국 추상미술의 대가인 조셉 앨버스(Josef Albers)에게 경의를 표하는 행잉 설치 작품이 포함된다.

 

김용관, Parallax-Viewport, 아크릴-온-캔버스, 114x114cm, 2024

김병주의 입체적 구조는 김용관(b. 1980)의 평면회화에도 이어진다. 검은색과 흰색의 줄무늬 패턴이 캔버스 전체를 차지하는 '시차 뷰포트'는 등각투영을 통해 '사각형 입방체'를 바라보는 가정의 세계이다. 한 면으로 수렴되기 전에 큐브의 세 면(정면, 평면, 측면)의 다양한 가능성이 다양한 패턴으로 가시화됩니다. 원근법이 적용되지 않고 그림자도 존재하지 않는 평면회화의 특성은 보는 이의 눈에 시각적, 지각적 환영을 만들어낸다. 원근감에 의해 경계가 흐려진 패턴들은 앞과 뒤가 겹쳐 마치 다층적인 시차가 공존하는 것처럼 보인다. 새로운 공간, 새로운 시간이 펼쳐진다.

관찰자가 동일한 대상을 관찰할 때 발생하는 시차는 서로 모순되어 공존할 수 없습니다. 던진 주사위처럼 그것들은 결국 한쪽으로 모이게 되지만, 선택한 관점이 결코 필연적인 것은 아니라고 믿는 작가는 교차점에서 다른 선택이 있었다면 “또 다른 범주가 살아남았을 것”이라고 가정한다. ” 즉, 작가의 작업은 물리적, 역사적, 관념적 세계에서 살아남지 못했거나 밝혀지지 않았던 또 다른 보는 방식을 찾아 병행적으로 재구성하려는 시도이다. '시차 뷰포트(Parallax Viewport)'는 "세계 자체의 구조에 의문을 제기하고 가치를 수평적으로 재배치하는" 단일한 관점에 집중하기 전에 다양한 시차의 차이와 다양한 가능성을 시각화한 이미지 시리즈이다.

 

What Happened in The Wonderland

2024. 6. 7 - 6. 26 | [GALLERIES] RHO GALLERY

Wonderland, 95x121cm, Acrylic on wood, 2024, Sweet Pink frame

노화랑은 행복하고 호기심 가득한 세상을 그리는 이사라의 개인전 <What Happened in The Wonderland>를 6월 7일(금)부터 6월 26일(수)까지 개최하며, ‘원더랜드(Wonderland)’ 시리즈 신작 20여 점을 선보인다.

이사라는 숙명여자대학교를 졸업하고 홍익대학교 대학원에서 회화과 박사 학위를 취득했다. 작가는 30여 회의 개인전을 진행하고 다수의 단체전에 참여한 바 있으며, 드라마와 TV 프로그램을 포함한 다양한 미디어에 작품이 등장하고 여러 기업과 콜라보를 하는 등 폭넓은 범위의 활동을 이어가고 있다.

작가는 1998년부터 사실주의적 형식을 띠는 작업을 시작으로 어린 시절의 순수했던 동심에 대한 기억과 동경, 그리고 인간의 내면에 존재하는 본질에 대한 탐구를 이어오고 있다. 현재 작업은 작가가 꿈꾸는 유토피아의 서사를 담고 있는데, 이사라의 유토피아인 ‘원더랜드(wonderland)’의 핵심은 ‘동심(童心)’으로 모두가 행복하고 호기심 가득한 꿈의 세계인 동시에 작가의 순수한 마음이 발현되는 공간이다. 작품 속 순진무구한 소녀는 우리를 유토피아로 초대하며, 잊고 지낸 순수한 어린 시절의 향수와 동심에 대한 성찰을 끌어낸다.

그렇다면. 그리고 그렇지 않으면.

2024. 5. 23 - 6. 22 | [갤러리] 이유진 갤러리

 

여러분, 2024, 캔버스에 목탄과 아크릴, 24,2 x 33.4 cm

이유진갤러리는 2024년 5월 23일부터 6월 22일까지 김건희(b. 1969)의 개인전을 개최 합니다 . 그리고 그렇지 않으면.” 는 신념과 그 신념에 대한 부정과 의심 사이에 있는 '경계'의 경계를 말합니다. 이번 회화 프로젝트는 사실이나 진실로 믿고 인지된 것들이 더 이상 '예'라고 명백하게 말할 수 없게 된 작가의 변화된 관점을 시각화하고 고찰한 작품이다. 이유진갤러리에서 열리는 이번 첫 개인전에서 작가는 캔버스와 종이에 그린 그림 20여점을 선보일 예정이다.

 

회화 #11, 2024, 종이에 유채, 110.5 x 78.7 cm

 

'종이에 유채로 그린 그림'은 익숙하면서도 낯선 이야기를 기억하고, 그것을 개별적인 서사로 접근하려는 작가의 의도에서 시작된다. 휴대폰 카메라로 확대하면 그 장면 너머에 또 다른 이야기가 있을지도 모른다는 순진한 기대와 비슷하지만, 확대된 장면은 오히려 더욱 모호해진다. 마치 벽을 가까이서 마주하고 초점을 잃은 채 그녀의 선택을 반영하는 색과 형태, 공간으로 가득 찬 공허한 시간의 궤적만 보이는 것과 같다. 작가는 스케치에 주로 사용되는 가벼운 종이 위에 때로는 가볍게, 그러나 즐겁게, 때로는 열정적으로 자신의 생각과 소망을 쏟아내며 빈 캔버스의 압박감에서도 자유롭기를 원했고, 특유의 밀도를 지닌 자유롭고 아름다운 이미지를 만들어냈다.

김건희는 1969년 서울에서 태어나 홍익대학교와 동대학원을 졸업했다. 1994년 첫 개인전 이후, 1996년 스페인 바르셀로나로 이주해 바르셀로나 산조르디대학교에서 3년간 박사과정을 수료했다. 1999년부터 2012년까지 스페인과 서울에서 5번의 개인전을 열었습니다. 1995년부터 2016년까지 서울 서호갤러리, 토탈미술관, 인사아트센터, 아트스페이스 풀 등 갤러리를 오가며 다수의 그룹전에 참여했고, 국립현대미술관 아트뱅크에 소장됐다.